Inlägg taggade Dante och Beatrice. livslång kärlek. Dante alighieri Du är så allvarlig, min älskade! Med din staty är du som en isig hållning ...

Tio år senare dyker Beatrice upp för honom igen, denna gång klädd i vitt. Hon går nerför gatan, åtföljd av två andra kvinnor, tittar upp på honom och tack vare "hennes outsägliga barmhärtighet" bugar sig för honom så blygsamt och charmigt att det förefaller honom som om han har sett "den högsta graden av salighet".

Målning av Henry Holliday "Dante och Beatrice"

Berusad av förtjusning flyr poeten från folks brus, drar sig tillbaka till sitt rum för att drömma om sin älskade, somnar och har en dröm. När han vaknar, skriver han ner det på vers. Detta är en allegori i form av en vision: kärleken med Dantes hjärta i händerna bär samtidigt i famnen "en sovande och beslöjad dam". Amor väcker henne, ger henne Dantes hjärta och springer sedan gråtande iväg. Denna sonett av den artonårige Dante, där han tilltalar poeterna och ber dem förklara hans dröm, uppmärksammade honom bland annat Guido Cavalcanti, som hjärtligt gratulerade den nye poeten. Så började deras vänskap, som aldrig har sviktat sedan dess.

I sina första poetiska verk, i sonetter och kanzoner, som omger bilden av Beatrice med en ljus utstrålning och poetisk gloria, överträffar Dante redan alla sina samtida med kraften av poetisk talang, förmågan att tala språket, såväl som uppriktighet, allvar och känslans djup. Även om han fortfarande håller fast vid de tidigare konventionella formerna, är innehållet nytt: det har upplevts, det kommer från hjärtat. Men Dante övergav snart de gamla former och seder och tog en annan väg. Han kontrasterade den traditionella känslan av att dyrka trubadurernas madonna med verklig, men andlig, helig, ren kärlek. Själv anser han sanningen och uppriktigheten i sina känslor vara den "kraftfulla hävstången" i hans poesi.

Poetens kärlekshistoria är väldigt enkel. Alla händelser är de mest obetydliga. Beatrice passerar honom nerför gatan och bugar för honom; han träffar henne oväntat vid ett bröllopsfirande och hamnar i en sådan obeskrivlig upphetsning och förlägenhet att de närvarande och till och med Beatrice själv hånar honom och en vän måste ta honom därifrån. En av Beatrices vänner dör, och Dante komponerar två sonetter vid detta tillfälle; han hör från andra kvinnor hur mycket Beatrice sörjer över sin fars död ... Dessa är händelserna; men för en sådan hög kult, för sådan kärlek, som ett känsligt hjärta var kapabelt till lysande poet, detta är en hel inre berättelse, rörande i sin renhet, uppriktighet och djupa religiositet.

Denna så rena kärlek är skygg, poeten döljer den för nyfikna ögon, och hans känsla förblir ett mysterium under lång tid. För att hindra andras ögon från att tränga in i själens helgedom låtsas han vara kär i en annan, skriver poesi till henne. Skvaller börjar, och tydligen är Beatrice svartsjuk och ger inte tillbaka sin båge.

Dante och Beatrice, målning av Marie Stillman
Vissa biografer, för inte så länge sedan, tvivlade på Beatrices verkliga existens och ville betrakta hennes bild som bara en allegori, inte på något sätt kopplad till en riktig kvinna. Men nu har det dokumenterats att Beatrice, som Dante älskade, förhärligade, sörjde och i vilken han såg idealet om högsta moraliska och fysiska perfektion, utan tvekan historisk figur, dotter till Folco Portinari, som bodde granne med familjen Alighieri. Hon föddes i april 1267, gifte sig med Simon dei Bardi i januari 1287 och dog den 9 juni 1290, tjugotre år gammal, kort efter sin far.

Dante själv berättar sin kärlek i Vita Nuova (Nytt liv), en samling prosa och vers, som tillägnades av poeten Guido Cavalcanti. Enligt Boccaccio är detta Dantes första verk, som innehåller fullständig historia poetens kärlek till Beatrice fram till hennes död och därefter, - skriven av honom kort efter sin älskades död, innan han torkade sina tårar för henne. Han kallade sin samling "Vita Nuova", som vissa tror, ​​för genom denna kärlek har ett "nytt liv" kommit för honom. Hans kära - för Dante, personifieringen av idealet, något "gudomligt, som visade sig från himlen för att ge jorden en stråle av himmelsk salighet", "dygdens drottning". Klädd i blygsamhet, säger poeten, lysande av skönhet, går hon bland lovsånger, som en ängel, som steg ner till jorden för att visa världen skådespelet av sina fullkomligheter. Hennes närvaro ger salighet, öser glädje i hjärtan. De som inte har sett hon kan inte förstå all sötheten i hennes närvaro." Dante säger att Beatrice, prydd med kärlekens och trons nåd, väcker samma dygder hos andra. Tanken på henne ger poeten kraften att övervinna varje dålig känsla hos sig själv; hennes närvaro och båge försonar honom med universum och till och med med fiender; kärlek till henne vänder sinnet bort från allt ont.

Michael Parkes, porträtt av Dante och Betarice
Under en vetenskapsmans kläder slår Dante ett rent, ungt, känsligt hjärta, öppet för alla intryck, benäget till tillbedjan och förtvivlan; han är begåvad med en eldig fantasi som lyfter honom högt över jorden, in i drömmarnas rike. Hans kärlek till Beatrice kännetecknas av alla tecken på den första ungdomskärleken. Detta är en andlig, syndfri dyrkan av en kvinna, och inte en passionerad attraktion till henne. Beatrice för Dante är mer en ängel än en kvinna; hon, som på vingar, flyger genom denna värld, knappt vidrör den, förrän hon återvänder till det bästa, varifrån hon kom, och därför är kärleken till henne "vägen till godheten, till Gud". Denna Dantes kärlek till Beatrice förverkligar i sig själva idealet om platonisk, andlig kärlek i sin högsta utveckling. De som inte förstod denna känsla, som frågade varför poeten inte gifte sig med Beatrice. Dante sökte inte sin älskades besittning; hennes närvaro, båge - det är allt han vill, som fyller honom med salighet. Bara en gång, i dikten "Guido, jag skulle vilja ...", fantasy fängslar honom, han drömmer om fantastisk lycka, att lämna med älskling långt från kalla människor, stanna med henne mitt i havet i en båt, med bara ett fåtal, käraste, vänner. Men denna vackra dikt, där den mystiska slöjan reser sig och älsklingen blir nära, önskad, uteslöt Dante från samlingen "Vita Nuova": det skulle vara en dissonans i hans allmänna tonfall.

Man kan tro att Dante, som dyrkade Beatrice, levde ett inaktivt, drömskt liv. Inte alls - ren, hög kärlek ger bara ny, fantastisk styrka. Tack vare Beatrice, berättar Dante, slutade han att vara en vanlig människa. Han började skriva tidigt, och hon blev drivkraften för hans författarskap. "Jag hade ingen annan lärare i poesi", säger han i "Vita Nuova", "förutom mig själv och den mäktigaste läraren - kärleken." Alla texter i "Vita Nuova" är genomsyrade av en ton av djup uppriktighet och sanning, men dess sanna musa är sorg. Och verkligen, Kort historia Dantes kärlek har sällsynta glimtar av klar, kontemplativ glädje; Beatrices fars död, hennes sorg, föraningen om hennes död och död är alla tragiska motiv.

Visionen om Beatrices död av Dante Gabriel Rossetti

Föraningen om Beatrices död går genom hela samlingen. Redan i den första sonetten, i den första synen, förvandlas Amors korta glädje till bitter klagan, Beatrice förs till himlen. Sedan, när hennes vän kidnappas av döden, uttrycker de välsignade andarna en önskan att se Beatrice mitt ibland dem så snart som möjligt. Hennes far, Folco Portinari, är döende. I poetens själ föds genast tanken att även hon ska dö. En liten tid går - och hans föraning går i uppfyllelse: strax efter hans fars död följer hon honom till graven. Dante såg henne redan död i en dröm, när kvinnorna täckte henne med en slöja. Beatrice dör därför att "det här tråkiga livet är ovärdigt ett sådant vackert väsen", säger poeten, och när hon återvänder till sin härlighet i himlen blir hon "en andlig, stor skönhet", eller, som Dante uttrycker det någon annanstans, "en intellektuell ljus fullt av kärlek." ".

När Beatrice dog var poeten 25 år gammal. Döden, kära, var ett hårt slag för honom. Hans sorg gränsar till förtvivlan: han själv önskar dö och väntar bara i döden på tröst för sig själv. Livet, hemlandet - allt förvandlades plötsligt till en öken för honom. Dante gråter om den döda Beatrice som ett förlorat paradis. Men hans natur var för frisk och stark för att han skulle dö av sorg.

Målning av Jean-Leon Gerome

Ur sin stora sorg söker poeten tröst i vetenskapen: han studerar filosofi, går i filosofiska skolor, läser nitiskt Cicero och framför allt den siste representanten för den antika världens kultur, Boethius, som med sin översättning och tolkning av grekisk filosofiska verk, särskilt Aristoteles "Logik", gjorde tillgänglig för nästa generationer en del av det grekiska tänkandet och lämnade dem verket "De Consolatione Philosophiae" ["Filosofins tröst" (lat.)], så högt värderat av medeltiden. Boethius skrev denna bok i fängelset, kort före sin avrättning, och berättar i den hur han, vid en tidpunkt då han höll på att försvinna under tyngden av sin ställning och var på väg att falla i förtvivlan, besöktes av en ljus vision: han såg Filosofi , som visade sig trösta honom, påminna honom om fåfänga i alla jordiska ting och att styra själen till ett högre och bestående goda. Verkets direkta koppling till författarens öde, det öde där många såg en återspegling av sin egen position, liksom klarheten i dess huvudidéer tillgängliga för alla och den ädla värmen i presentationen, gav ett särskilt inflytande till Boethius bok under medeltiden; många har läst den och funnit tröst i den.

"Årsdagen av Beatrices död" av Dante Gabriel Rossetti
Dantes outtröttliga iver för filosofi, som till och med tillfälligt försvagade hans syn, avslöjade snart för honom, med hans ord, denna vetenskaps "söthet" i en sådan utsträckning att kärleken till filosofi till och med för en stund översköljde det ideal som dittills bara hade dominerat. hans själ. Och ännu ett inflytande kämpade i honom med minnet av den avlidne. I andra halvan av Vita Nuova berättar Dante hur en dag, när han var nedsänkt i sin sorg, dök en vacker kvinna upp vid fönstret och tittade på honom med ögon fulla av medkänsla. Först kände han sig tacksam mot henne, men när han såg henne gång på gång började han så småningom finna sådan njutning i detta skådespel att han riskerade att glömma den döda Beatrice. Men denna nya känsla gav inte Dante tröst, en stark kamp blossade upp i hans själ. Han började känna sig låg och föraktlig mot sig själv, skällde ut och förbannade sig själv för att han kunde distrahera sig själv, även tillfälligt, från tanken på Beatrice. Poetens inre kamp varade inte länge och slutade i Beatrices seger, som visade sig för honom i en syn som mycket upphetsade honom. Sedan dess tänker han återigen bara på henne och sjunger bara på henne. Senare, i sitt andra verk, "Convito" ("Högtid"), som avslutar filosofins mest entusiastiska lovprisning, gav Dante en allegorisk karaktär åt de verser tillägnade hans andra kärlek, som han här kallar "Madonna la Filosofia". Men det kan knappast råda något tvivel om dess verkliga existens, och detta lilla bedrägeri av poeten är mycket ursäktligt.

Känslan som till en början verkade för honom, under inflytande av upphöjelse, så kriminell, var i själva verket en extremt oskyldig och snabbt blixtrad meteor av platonisk kärlek, som han senare insåg själv.

Hälsning till Beatrice av Dante Gabriel Rossetti
Men Dantes andra kärlek, för en viss Pietra, som han skrev fyra kanzoner om, har en annan karaktär. Vem var denna Pietra - är okänd, liksom mycket i poetens liv; men de fyra nämnda kanzonerna skrevs av honom före hans exil. De låter språket av fortfarande ungdomlig passion, ungdomlig kärlek, den här gången redan sensuell. Denna kärlek kombinerades lätt på den tiden med mystisk upphöjelse, med den religiösa kulten av det feminina idealet; ren, kysk dyrkan av en kvinna uteslöt då inte den så kallade "folle amore" [galen kärlek (It.)]. Det är fullt möjligt att Dante med sitt passionerade temperament hyllade honom och att han också haft en period av stormar och vanföreställningar.

Några år efter Beatrices död - när det i själva verket inte är känt, men tydligen 1295 - gifte Dante sig med en viss Gemma di Maneto Donati. Tidigare biografer rapporterar att poeten hade sju barn från henne, men enligt den senaste forskningen finns det bara tre av dem: två söner, Pietro och Jacopo, och en dotter, Antonia.

Dante i exil, målning av Sir Frederic Leighton
Mycket lite information har bevarats om poetens hustru Gemma. Tydligen överlevde hon sin man; åtminstone så långt tillbaka som 1333 förekommer hennes signatur på ett dokument. Enligt uppgifter som Boccaccio rapporterat, såg Dante inte sin fru igen efter sin exil från Florens, där hon stannade med sina barn. Många år senare, i slutet av sitt liv, kallade poeten sina söner till sig och tog hand om dem. I sina skrifter säger Dante ingenstans något om Gemma. Men detta var en vanlig företeelse på den tiden: ingen av de dåvarande poeterna berörde deras familjeförhållanden. Hustrun var förutbestämd på den tiden att spela en prosaisk roll; hon stannade helt utanför den poetiska horisonten; bredvid den känsla som gavs henne kunde en annan perfekt existera, som ansågs högre. Boccaccio och några andra biografier hävdar att Dantes äktenskap var olyckligt. Men inget bestämt om detta är känt; det är bara sant att detta äktenskap ingicks utan något romantiskt foder: det var något som liknade ett affärsarrangemang för att uppfylla en offentlig plikt - ett av dessa äktenskap, som det finns många av nu /
Citat meddelande

Kapitel sex

Beatrices död

Beatrices lovord avbryts oväntat av ett tragiskt citat ur den bibliska boken "Profeten Jeremias klagosånger": "Som en stad sitter ensam, en gång fullsatt, har den blivit som en änka, en gång stor bland nationerna." Detta citat är epigrafen till den sista delen av Det Nya Livet, som berättar om döden av en makalös dam. Med krok eller skurk försöker poeten datera händelserna med siffran "nio". Beatrice dog 1290, den 8 juni, men Dante tar till det konto som antagits i Syrien, enligt vilket han finner att månaden för hennes död är den nionde, "för den första månaden finns Tizrin, den första, som vi kallar oktober ." Det förefaller oss som om dessa fruktansvärda överdrifter och användningen av orientaliska exotiska kalendrar är ett obestridligt bevis på att Beatrice verkligen existerade. Om hon var en symbol eller en allegori, vad skulle då vara poängen med alla dessa listiga beräkningar? För att glorifiera och upphöja Beatrice behövde Dante stjärnnummer och kosmiska bilder, och han vände sig till det populära i medeltida Europa boken om den uzbekiske astronomen från 900-talet, född i Samarkand, Al Fergani. "Astronomiens principer" av Al Ferghani var kända tack vare den latinska översättningen av Gerard från Cremona. Dante studerade noggrant detta arbete, och det avgjorde till stor del hans idéer om universums struktur. För att förklara den sublima innebörden av datumet för sin älskades undergång, vänder sig Dante till den centralasiatiska matematikern och astrologens beräkningar. Siffran "nio" visar sig vara universums huvudtal, för det finns nio himlar i rörelse, och den nionde himlen är den drivande kraften i vilken världsrörelsen är innesluten.

När Dante uppfattade Beatrices död som en kosmisk katastrof, kände Dante det nödvändigt att informera hela världen om det. Han riktar ett latinskt brev till jordiska härskare, som börjar med ovanstående citat från Jeremia. Men Italiens furstar och republikernas stadsguvernörer svarade knappast på den unge florentinska poetens brev. Sex århundraden senare trängde Alexander Blok in i den vansinniga innebörden av detta meddelande som inte nådde oss:

I meddelanden till jordiska härskare

Jag talade om evigt hopp.

De trodde inte på ropen

Och jag är inte densamma som förut.

Jag kommer inte att öppna för någon nu

Det som föds i tanken.

Låt dem tänka - jag är i öknen

Jag vandrar, försmäktar och räknar.

Dante började tillbringa dagar och nätter i tårar. På den tiden, som i antikens Grekland, män skämdes inte för tårar. Sedan skrev han kanzonen. Det är tematiskt kopplat till canzona, som sa att Beatrice förväntades i himlen.

Beatrice lyste på himlen,

Där änglar är oförstörbar frid ...

Och tittar på henne med förvåning,

Henne till paradisets boning

Evighetens Herre kallade till sig själv,

Brännande av perfekt kärlek,

Då, att detta liv är så ovärdigt,

Tråkigt, hennes heliga ljus.

Trots några vackra repliker är denna kanzon lite lång, försäkringar om poetens otröstlighet, om hans trohet mot Beatrice, om hans outsägliga sorg upprepas, kanske alltför ofta, men man kan inte tvivla på deras uppriktighet för ett enda ögonblick. Sedan säger Dante att när denna kanzon skrevs kom en av hans bästa vänner till honom, som "var en så nära släkting till den där härliga damen att det inte fanns någon släkting närmare." Denna omskrivning betyder att besökaren av den sörjande Dante var bror till Beatrice. Han bad Dante att komponera dikter om en ung död dam, utan att namnge henne. Dante insåg dock att han pratade om Beatrice. Och Dante komponerade en sonett som börjar:

Låt min sorg ljuda i mina hälsningar;

Så anstår det ädla hjärtan.

Alla mina andetag skyndar mig att möta dig.

Hur kan jag leva utan att sucka i världen!

Beslutade att han inte tillfredsställde sin väns begäran tillräckligt, skrev Dante också en liten canzone, som börjar: "Många gånger, tyvärr, jag kommer ihåg att jag inte kommer att kunna se ..." Raya":

Hennes skönhet ses inte av dödliga ögon.

Hon blev en andlig skönhet

Och lyste på himlen

Och kören förhärligade hennes änglar.

Där har de högre andarna ett förfinat sinne

Förundran, beundrar perfektion.

På årsdagen av Beatrices död satt Dante på en avskild plats och ritade en ängel på en tablett och tänkte på en makalös dam.

"Teckning", minns han, "Jag tittade upp och såg folk bredvid mig som skulle hedras. De tittade på mitt arbete. Och som jag fick veta efteråt så hade de varit där ett tag innan jag lade märke till dem. När jag såg dem reste jag mig upp och hälsade dem och sa till dem: "En viss syn var med mig, och jag var helt försjunken i tankar." När dessa människor gick, återvände jag till mitt arbete och började återigen rita en ängel. Och under arbetets gång kom det mig att skriva dikter, så att säga till årsdagen, till dem som besökte mig. Sedan skrev jag en sonett som började: "Hon visade sig för mig ..." Denna sonett har två början, den andra är så att säga en poetisk transkription av berättelsen:

Dök upp för mig i ensamhetens timmar -

Hennes Amor sörjde med mig.

Har du sett min snabba teckning,

Böj dig för hennes bild.

Så ett år har gått. Nedsänkt i sorg, ensamhet, minnen skrev Dante sonetter, kanzoner, där den forna inspirationen, den forna passionen inte längre andades. Och plötsligt förändrades något i hans sinnestillstånd, något darrade, något inspirerade honom igen. Den ledsne mannens ansikte var förvrängt av sorg, hans ögon blev röda av tårar, men tanken på om de ser eller inte ser hans sorg lämnade inte poeten, för alltid ägnad åt introspektion. ”En dag”, fortsätter Dante, ”efter att jag insåg mitt plågsamma tillstånd, tittade jag upp för att se om de såg mig. Då lade jag märke till en viss ädel dam, ung och vacker, som såg på mig från fönstret med sådan medlidande, att det verkade som om all medlidande i världen hade funnit sin tillflykt hos henne. Och eftersom de olyckliga, som ser andras medkänsla, som känt sin plåga, lättare ger efter för tårar, som om de tycker synd om sig själva, kände jag i mina ögon en lust att fälla tårar. Men, rädd för att visa det eländiga tillståndet i mitt liv, drog jag mig tillbaka från ögonen på denna ädla dam och sa till mig själv: "Det kan inte vara så att den ädlaste Amor inte var med denna medkännande dam." Det var en farlig stadsdel. Bredvid den vackra damen, som Dante inte kände, eller kanske kände, eftersom hon bodde i närheten, fanns en dödlig följeslagare - Amor. Dante var förvirrad, förvirrad. Damen, full av medlidande, fällde tårar, och varhelst hon såg den unge lidande visade sig blekhet - kärlekens färg - på hennes kinder. I hennes åsikter började Dante söka tröst, och till slut skrev han en sonett:

Och kärlekens färg och ångerns godhet

Ditt sörjande ansikte har visat mig mer än en gång.

Han lyste med sådan barmhärtighet,

Det på jorden hittar jag ingen jämförelse.

Jag funderade på mirakulösa fenomen.

Din sorgsna blick mötte min sorgsna blick.

Det är här mitt hjärta brister av spänning.

Försvagade ögon förbjuder jag

Jag kunde inte titta på dig...

Dantes ögon, sade han, började känna för mycket njutning när han såg en medkännande dam; förgäves förebråade han sina ögon och skrev till och med en förebrående sonett till sig själv. Hans ögon riktade ofrivilligt i riktningen där den tröstande damen var. Dante var väl medveten - med sin benägenhet att analysera - motsägelsen i sina känslor. Bilden av en medkännande dam, livlig, leende eller ledsen, var för attraktiv och förförde djupet av hans hjärta. Han skrev i sin poetiska dagbok: ”Jag såg gång på gång ansiktet på en medkännande dam i en så ovanlig form att jag ofta tänkte på henne som en person som jag gillade för mycket. "Denna ädla dam," tänkte jag, "vacker, ung och klok, dök upp, som du kan bedöma, enligt Amors vilja, så att jag kunde finna vila i mitt liv." Och ofta tänkte jag ännu mer kärleksfullt, så att mitt hjärta allt djupare uppfattade argumenten för denna tanke. Och när jag redan var beredd att hålla med dem, kastade jag mig åter in i meditationen, som driven av förnuftet självt, och sa till mig själv: ”Gud, vad är det här för tanke, som så skamligt vill trösta mig och nästan gör det. inte tillåta någon annan tanke?” Då uppstod en annan tanke och sade: ”I ett sådant smärtsamt tillstånd du är, varför vill du inte bli befriad från sorger? Du förstår - detta är Amors besatthet, som ger oss kärleksönskningar. Amor kommer från en plats så ädel som ögonen på en kvinna som har visat mig så stor medkänsla.” Så jag, som kämpade med mig själv, ville uttrycka mitt sinnestillstånd på vers. Och eftersom i mina tankars sammandrabbning de som talade till hennes fördel vann, tycktes det mig att jag skulle vända mig till henne. Sedan skrev jag en sonett som börjar: Good Thought.

Om denna sonnett skickades till en dam av medkänsla, då lät det som en kärleksförklaring.

En bra tanke talar partiskt till mig

Om dig, som fängslade mina dagar och drömmar.

Kärlekens ord är så fulla av sötma

Att hjärtat verkar hålla med om allt.

Själen söker veta varje timme

I hjärtat: ”Av vem är du hänförd?

Varför skulle hon vara den enda att lyssna på?

Med andra ord utvisar du häftigt!”

"En eftertänksam själ", säger

Hennes hjärta är en ny ande av kärlek för oss;

Han avslöjade i hemlighet sin önskan för mig.

Och dygderna med dess grund

I ögonen på den vackra som lovar oss

Och tröst och medkänsla.

Sedan, i Det Nya Livet, skrivna (snarare komponerade, eftersom dikterna uppstod tidigare) ett år efter Beatrices död, beskrivs Dantes ånger och hans återkomst till Beatrice. Han fäller igen tårar, lider återigen dag och natt, och hans vånda förvärras av hans korta svek. Slutligen berättar Dante om pilgrimerna på väg mot Rom, som han träffade på Florens gator. Vid detta tillfälle skriver han en sonett där han med sin karaktäristiska överdrift försäkrar att om den sorgliga nyheten om Beatrices död berörde öronen på dessa vandrare som kom från okända och avlägsna länder, skulle de fylla Florens med snyftningar. Det finns också en berättelse om några ädla damer som bad Dante att skriva poesi. Dante skickade dem en av sina sonetter tillägnad Beatrice, skriven efter hennes död, och en ny sonett - apoteosen om en upphöjd dam i himlen.

Bortom sfären av begränsande rörelse

Mina andetag flyger in i den lysande hallen.

Och Gud vårdar kärlekens sorg i hjärtat

För ett nytt universum av förståelse.

Och när man når lustens område,

Pilgrimsanden i ära kunde se

Lämna jordisk ångests fångenskap,

Värdig beröm och beundran.

Jag förstod inte vad han sa då.

Så raffinerade, hemlighetsfulla var talen

I ett sorgset hjärta Bra tankar

I min själ sorg orsakade.

Men Beatrice - i himlen långt borta -

Jag hörde namnet, kära damer.

Efter detta hade Dante en "underbar vision". I den här synen, säger han, ”där jag såg det som fick mig att bestämma mig för att inte tala mer om den välsignade förrän jag kunde tala mer värdigt om henne. För att uppnå detta gör jag mitt bästa, vilket hon verkligen vet. Så, om den som ger liv åt allt värdigt, så att mitt liv håller i några år till, hoppas jag säga något om henne som aldrig har sagts om någon kvinna. Och må min själ, genom artighetens herre vilja, stiga upp och se strålglansen av min fru, saliga Beatrice, som i sin härlighet betraktar ansiktet på den som är välsignad för evigt och alltid. Således lovar Dante, på sista sidan av Nya livet, att han ska säga om Beatrice "det som aldrig har sagts om någon kvinna." Detta sista ackord i "minnesboken" motsätter sig hela idén om Dantes nästa verk - "Feast", skriven under de första åren av exil. Man måste anta att de tre (eller kanske bara de två första) allegoriska och moraliserande kanzonerna som ingår i "Högtiden" har sitt ursprung i Florens. Dante hävdar att den "medkännande damen" var "den mest värdiga dottern till universums härskare, som Pythagoras kallade Filosofi" (I, XV, 12). Det är inte lätt att förklara den helt uppenbara motsättningen mellan de två verken. Det är också svårt att bli av med tanken att den "medkännande damen", innan den förvandlades till en allegorisk bild, faktiskt fanns i "förgrunden". Det kan med tillräcklig sannolikhet antas, tillsammans med många moderna tandläkare, att Nya Livet haft två upplagor och att en andra upplaga har kommit till oss, i vilken slutet gjordes om och kompletterades av författaren själv vid den tid då han lämnade högtiden och avhandlingen Om folklig vältalighet" och började skriva "Monarki" och "Gudomlig komedi". Efter att ha övergett intellektualismen under de första åren av exil, försökte Dante koppla ihop sitt ungdomsarbete med diktens sånger och förhärliga den som blev hans förare i paradiset.

Men att avgöra vad som var slutet på den första upplagan av Novaya Zhizn är inte en lätt uppgift. Vi kan anta att slutsatsen var triumfen för den medkännande damen och sonetten tillägnad henne. Kanske tillskrevs inte bara berättelsen om hans "underbara syn" senare, utan också kapitel trettionio om Dantes ånger och elva om pilgrimerna. I det tjugonionde kapitlet känner man, trots gråt, suck och ånger, en viss konstgjordhet och kyla – diktens största motståndare. Sonetten om pilgrimerna talar mer om den yttre bilden av vandrare som går "genom sorgernas stad" än om poetens känslor.

I början av Festen deklarerar Dante kategoriskt att den medkännande damen inte är en kvinna, utan Filosofi, dottern till Herren Gud själv - och låt den som kan tro! Men vi vet att Dante sedan övergav denna överdrift och ångrade sig i det jordiska paradiset inför Beatrices ansikte i alla hans hobbyer, både helt enkelt jordiska och allegoriska. Vi tror att den mest troliga hypotesen är att den "underbara synen" gavs till minnesboken senare, när profetian om den sista sonetten redan uppfylldes i den gudomliga komedin. Vissa forskare från förra seklet trodde att den ädla damen var ingen annan än bruden, och sedan hustru till Dante - Gemma Donati. Detta orsakade en storm av indignation och indignation bland vår tids kritiska dantologer, som inte vill lösa barmhärtighetsfruns gåtor. Men varför inte anta att skönheten som förbarmade sig över Dante verkligen var Gemma Donati, som länge väntat på sin fästman och trolovad med honom som barn? Dante var tvungen att ta henne till sin hustru enligt ett avtal undertecknat av hans far, och märkte därför inte hennes skönhet, men efter Beatrices död kunde han plötsligt märka sin bruds charm, hennes ömhet, medkänsla och förlåtelse, och uppskattade den långa kärlek hon hade till honom. Kvinnohataren Boccaccio rapporterar att släktingar ska gifta sig med Dante efter Beatrices död, utan att inse att äktenskapet är skadligt för poeter, eftersom det stör deras poesi. Den gråhåriga författaren till Decameron blev en hängiven misantrop i slutet av sitt liv, men hans vittnesbörd går inte att lita på. Dante gifte sig efter Beatrices död, troligen ett år senare, när han var tjugosex och Gemma ungefär tjugo. Hur Gemma, som gav Dante fyra barn, kunde bli en symbol för gudomlig visdom har jag svårt att förklara. Dante älskade dock de mest oväntade betydelseförändringarna, men kunde senare lätt vägra dem. Den store mannen präglades av det eviga idéspelet, verkligt och fantastiskt. Utan dessa reinkarnationer, förändringar, andliga uppstigningar och många, tyvärr, många fall, inklusive under högtidens allegoriska och moraliserande tider, skulle Dante inte ha blivit författaren till den gudomliga komedin.

(1265 – 1321)

STROKEBIOGRAFI

Dante föddes på Santa Margherita Street, i Florens, och dog borta från sitt hemland, i exil, i staden Ravenna. På den tiden var en persons hemland inte ett land, som det är idag, utan en stad, det som nu kallas " litet hemland"Och därför kunde den italienska staden Ravenna för Dante mycket väl kallas ett främmande land. Dante föddes i Florens, och den mest betydande händelser hans personliga liv.
I kyrkan Santa Margherita såg Dante först den vackra Beatrice, som blev hans eviga platonska kärlek. Beatrice var hustru till en annan, och därför kunde Dante bara beundra henne på avstånd. Hon dog ung, vilket på medeltiden inte var ovanligt, utan snarare regeln. Och det är därför Beatrice i " Gudomlig komedi"- Dantes huvudskapelse - kan leda poeten genom paradiset och visa honom alla himlens under.
Dantes kärlek till Beatrice var så sublim och så långt ifrån köttsliga begär att den inte kunde störa hans äktenskap. Bara ett stenkast från mötesplatsen med sin himmelska älskade, i kyrkan San Martino de Vescovio, gifte Dante sig med sin jordiska livspartner, Gemma Donati. Han tvingades dock snart lämna henne för alltid. Och inte av val. Faktum är att Dante i sitt liv inte bara hängav sig åt den platonska kärlekens himmelska nöjen. Han var mycket aktiv i politiska livet stad, som var mycket förvirrande på den tiden. Florens slets sönder av kampen mellan de två partierna - guelferna och ghibellinerna. Legenden säger att fejden började vid ett mycket romantiskt tillfälle. En ädel ung man från en familj som tillhörde Ghibelline-partiet bröt sin förlovning med en flicka från Adimari-familjen Guelph. Att utstå en sådan förolämpning var naturligtvis omöjligt. Och därför överföll bröderna till den vanärade flickan gärningsmannen, som lugnt red på sin häst längs Ponte Vecchio - den gamla bron, och knivhögg honom till döds. Nåväl, då går vi. Faktum är att fiendskapen mellan guelferna och ghibellinerna var av helt vanlig karaktär och var i första hand en kamp om makten, och inte en vendetta. Guelphs var anhängare av påven, medan ghibellinerna stödde kejsaren av det heliga imperiet.
Dante Alighieri tillhörde Guelph-partiet, som så småningom vann, drev ut sina motståndare från staden och byggde en regeringsbyggnad, som de kallade Palazzo di Parte Guelph - Guelph-partiets palats. Det verkar som att allt gick bra för Dante. Han deltog till och med under en tid i stadens regering, var prior - ungefär som medlem av stadsfullmäktige - och satt tillsammans med andra priorar i Castagna-tornet. Men Guelphs, efter att ha kommit till makten, delade sig omedelbart i två partier och började gräla med varandra. De svarta guelferna fortsätter att stödja påven, medan de vita, som Dante tillhörde, står för Florens självständighet och försoning med resterna av ghibellinerna.
År 1301 besegrade de svarta Guelphs slutligen de vita. Och i början av nästa år dömdes Dante Alighieri, som en vit Guelph, till bränning och konfiskering av egendom. Som tur var för honom var han borta då. Men domen innebar för honom evig exil, separation från sin hemstad, fru och barn. Och hans huvudverk - "Den gudomliga komedin" - skapade Dante borta från Florens. Men han drömde om att återvända hit och återvända med ära.

"Ilskan som har avstängt min tillgång kommer att bli ödmjuk
Till min inhemska fårstall, där jag sov som ett lamm,
Inte trevligt mot vargarna som störde hennes frid,
I en annan runa, i en annan majestätisk ringning.

Jag kommer tillbaka, poet, och faller med en krona
Där han döptes som barn ..."

Det vill säga i baptisteriet i San Giovanni, där Dante döptes, och som en betydande händelse i hans liv är kopplad till. Dante påminner om denna incident i Helvetets nittonde kanto:

"Jag såg ett oräkneligt antal runda brunnar i en gråaktig sten. De är exakt likadana till utseendet, Som de i min vackra San Giovanni, Där dopets sakrament utförs. Jag, räddade en pojke från lidande, Under ett senaste år , bröt en av dem ... "

Dessa linjer är ganska mörka, om du inte vet vad som är felet. En gång var Dante närvarande vid ett dop i San Giovanni. Den försumliga prästen tappade barnet i en stor font och de kunde inte fiska upp honom. Sedan bröt Dante typsnittet och räddade barnet. Denna handling krävde inte bara fyndighet, utan också mod. Det kunde trots allt betraktas som helgerån.
År 1315 insåg de florentinska myndigheterna att Dante kunde tjäna stadens större ära. Han erbjöds att återvända på villkoret att han erkänner sig själv som en politisk brottsling, offentligt ångrar sig, går genom staden med ett ljus till dopkapellet San Giovanni, knäböjer och ber om förlåtelse från folket i Florens. Men Dante vägrade.

"Kan jag inte titta på solen och stjärnorna från var som helst på jorden? Kan jag inte meditera över stora frågor någonstans under himlen? Varför ska jag genomgå ett skamligt och förödmjukande förfarande inför folket i Florens?"

Intressanta fakta från livet

* Inledningsvis kallade Dante sitt huvudverk helt enkelt "Komedi". Detta namn motsvarade den medeltida traditionen att namnge poetiska verk. Epitetet "gudomlig" lades till namnet av Giovanni Boccaccio.

* Den gudomliga komedin är full av allegorier och utan deras analys går mycket av innebörden förlorad. Dessutom har dikten en genomtänkt struktur: antalet sånger i varje del (och i verket som helhet), antalet rader i varje sång, valet av terzan som mått - allt detta spelar roll.

* Porträttet av Dante av Raphael, placerat i biografins titel, anses vara "kanoniskt" - det är denna bild som finns på 2 euromyntet. Detta porträtt målades av Raphael 200 år efter Dantes död, baserat på beskrivningen av Giovanni Boccaccio. Boccaccio själv var 8 år gammal under Dantes dödsår, och troligen var hans verbala porträtt nedtecknat från andra människors ord. 1921 öppnades Dantes grav i Ravenna, och forskare tog mätningar av benen i poetens skalle. Baserat på dessa mätningar rekonstruerades Dantes påstådda utseende 2007 (givet ovan).

DANTE OCH BEATRICE

Jag hade ingen annan lärare i poesi", säger han i Vita nuova, "förutom mig själv och den mäktigaste läraren - kärleken."

* Den mest framstående, ledande händelsen i Dantes ungdom var hans kärlek till Beatrice. Han såg henne första gången när de båda fortfarande var barn: han var 9, hon var 8 år. Den "unga ängeln", som poeten uttrycker det, dök upp framför hans ögon i en klädsel som inte passade hennes barndom: Beatrice var klädd i en "ädel" röd färg, hon hade ett bälte på sig och, enligt Dante, hon blev genast "älskarinnan hans ande". ”Hon verkade för mig”, säger poeten, ”mer lik Guds dotter än bara en dödlig”, ”Från den minut jag såg henne tog kärleken mitt hjärta i besittning i en sådan utsträckning att jag inte hade någon kraft att stå emot. den och, darrande av upphetsning, hörde en hemlig röst: Här är en gudom som är starkare än du och som kommer att äga dig.
Tio år senare dyker Beatrice upp för honom igen, denna gång klädd i vitt. Hon går nerför gatan, åtföljd av två andra kvinnor, höjer blicken mot honom och tack vare "hennes obeskrivliga nåd" bugar hon sig för honom så blygsamt - charmigt att det förefaller honom att han har sett "den högsta graden av salighet. " Berusad av förtjusning flyr poeten från folks brus, drar sig tillbaka till sitt rum för att drömma om sin älskade, somnar och har en dröm. När han vaknar, skriver han ner det på vers. Detta är en allegori i form av en vision: kärleken med Dantes hjärta i händerna bär samtidigt i famnen "en dam som sover och insvept i en slöja." Amor väcker henne, ger henne Dantes hjärta och springer sedan gråtande iväg. Denna sonett av den 18-årige Dante, där han tilltalar poeterna och ber dem om en förklaring av sin dröm, uppmärksammade många på honom, förresten Guido Cavalcanti, som gratulerade den nya poeten från botten. av hans hjärta. Så började deras vänskap, som aldrig har sviktat sedan dess. I sina första poetiska verk, i sonetter och kanzoner, som omger bilden av Beatrice med en ljus utstrålning och poetisk gloria, överträffar Dante redan alla sina samtida med kraften av poetisk talang, förmågan att tala språket, såväl som uppriktighet, allvar och känslans djup. Även om även han fortfarande håller fast vid samma formkonventionella, är innehållet nytt: det upplevs, det kommer från hjärtat. Dante övergav snart den form och det sätt som hade överlämnats till honom och tog en ny väg. Han kontrasterade den traditionella känslan av att dyrka trubadurernas madonna med verklig, men andlig, helig, ren kärlek. Själv anser han sanningen och uppriktigheten i sina känslor vara den "kraftfulla hävstången" i hans poesi.

BEATRICE PORTINARI

Poetens kärlekshistoria är väldigt enkel. Alla händelser är de mest obetydliga. Beatrice passerar honom nerför gatan och bugar för honom; han träffar henne oväntat vid ett bröllopsfirande och hamnar i en sådan obeskrivlig upphetsning och förlägenhet att de närvarande, och till och med Beatrice själv, gör narr av honom, och hans vän måste ta honom därifrån. En av Beatrices vänner dör, och Dante komponerar två sonetter vid detta tillfälle; han hör från andra kvinnor hur mycket Beatrice sörjer över sin fars död ... Dessa är händelserna; men för en sådan hög kult, för sådan kärlek, som en genialitets känsliga hjärta förmådde, är detta en hel inre berättelse, rörande i sin renhet, uppriktighet och djupa religiositet.
Denna så rena kärlek är skygg, poeten döljer den för nyfikna ögon, och hans känsla förblir ett mysterium under lång tid. För att hindra andras ögon från att tränga in i själens helgedom låtsas han vara kär i en annan, skriver poesi till henne. Skvaller börjar, och tydligen är Beatrice svartsjuk och ger inte tillbaka sin båge.

Det andra mötet mellan Dante och Beatrice ägde rum vid en fest tillägnad gemensamma bekantas bröllop, men denna dag förde inte den förälskade poeten något annat än bittert lidande och tårar. Alltid självsäker blev Alighieri plötsligt generad när han såg sin älskade bland sina bekanta. Han kunde inte få fram ett ord, och när han kom till sansen lite, sa han något osammanhängande och absurt. Ser förlägenhet ung man, utan att ta blicken från henne, började den vackra flickan göra narr av den osäkra gästen och förlöjliga honom tillsammans med sina vänner. Den kvällen beslöt den otröstliga unge mannen till slut att aldrig träffa den vackra Beatrice och ägna sitt liv åt att bara sjunga sin kärlek till Signorina Portinari. Poeten såg henne aldrig igen.

Beatrice för Dante är personifieringen av idealet, något "gudomligt, som dök upp från himlen för att ge jorden en stråle av himmelsk salighet", - "dygdens drottning". ”Klädd i blygsamhet”, säger poeten, ”strålande av skönhet går hon bland lovsång, som en ängel som steg ner till jorden för att visa världen skådespelet av sina fullkomligheter. Hennes närvaro ger lycka, öser glädje i hjärtan. Den som inte har sett henne kan inte förstå all sötheten i hennes närvaro.

En rimlig hypotes är att Beatrices tidiga död är relaterad till förlossningen. Man tror traditionellt att hennes grav ligger i kyrkan Santa Margherita de Cherchi, inte långt från husen i Alighieri och Portinare, på samma plats där hennes far och hans familj är begravda. Det är här det Minnesplakett. Denna version är dock tveksam, eftersom hon enligt sedvänja skulle begravas i sin mans grav (basilikan Santa Croce, bredvid Pazzi-kapellet).

* Enligt vissa historiker, när Beatrice öppnades, hittades en volym med Dantes dikter på hennes bröst.

* Dante Alighieri var mycket upprörd över Beatrices död. På årsdagen av hennes död sitter han och ritar på en tavla: bilden av en ängel kommer ut.

Hans sorg avtog så mycket att när en ung vacker dam såg på honom med medkänsla och kondolerade med honom, vaknade någon ny, vag känsla i honom, full av kompromisser, med det gamla, ännu inte glömt. Han börjar försäkra sig om att i den skönheten finns samma kärlek som får honom att fälla tårar. Varje gång hon mötte honom, såg hon på honom på samma sätt, blev blek, som under inflytande av kärlek; det påminde honom om Beatrice, ty hon var lika blek. Han känner att han börjar titta på främlingen, och att han inte gråter nu innan hennes medkänsla fick tårar i ögonen. Och han fångar sig själv, förebrår sig själv för sitt hjärtas otrohet; han är sårad och skäms.

* Allvarligt talat, Dante kände inte sin älskade Beatrice så väl. Dante Alighieri såg henne först på en fest som hans föräldrar var värd för. Han var då nio år och flickan var åtta. Bokstavligen nio år senare träffade han henne igen - en kort stund, på gatan, var Beatrice redan en gift dam.
Men det var dessa två möten som satte en sådan outplånlig prägel på Dantes själ att Beatrice för alltid blev hans musa. Efter flickans tidiga avgång från livet (1290) sjöng han sin kärlek till henne i det nya livet. Snart gifte sig Dante själv, men i den gudomliga komedin, hans mogna verk, visar sig Beatrice återigen för oss i form av en guide till paradiset.

SENASTE ÅREN

På sitt livs sluttning hittade Dante en lugn småbåtshamn i Ravenna, där han, långt från rörelsen, i kretsen av sina barn (Jenny stannade kvar i Florens) och vänner - poeter, fullbordade sitt skapande av tre delar av hundra sånger .
Sommaren 1321 sändes Dante som ambassadör till Venedig för att sluta fred med republiken Markus. När han återvände längs vägen mellan stranden av Adria och Po:s träsk insjuknade Dante i malaria och dog i Ravenna natten mellan den 13 och 14 september 1321.
Femtio år senare kallade hela Italien honom för den gudomliga poeten. Myndigheterna i Florens har upprepade gånger bett Ravenna att lämna tillbaka hans aska till sitt hemland. Men Ravenna vägrade. Dante ville trots allt inte återvända till sitt hemland, inte ens i form av damm. Men i Florens, i katedralen Santa Croce, fick han fortfarande en magnifik gravsten. Denna gravsten är en ren konvention, eftersom Dantes kropp fortfarande vilar i Ravenna. Gravstenen är en hyllning till Florens fåfänga och en påminnelse om att poeten passionerat älskade sin hemstad och hatade den lika passionerat.
"Han sände henne en förbannelse från helvetet. Och i himlen kunde han inte glömma henne, - Men barfota, i en ångerfull skjorta, Med ett tänt ljus gick han inte Genom sitt önskade Florens, Förrädisk, låg, efterlängtad .. ."

EFTERORD

Dante är skaparen av italienska litterärt språk, baserat på vilken han sätter den toskanska dialekten, berikar den med ord och fraser från andra dialekter, latinismer och neologismer. Diktens stil kombinerar folklig och högtidlig bokvokabulär, pittoreska och dramatik. Dante, som ingen på sin tid, talade redan för hela den italienska nationens vägnar och under perioden av kampen för Italiens frihet var han talesman för nationella känslor, profeten för landets frihets enhet, och uttryckte dess historiska strävanden. Han är enligt Engels "... medeltidens siste poet och samtidigt den moderna tidens första poet." Dantes arbete hade en enorm inverkan på utvecklingen av italiensk litteratur och europeisk kultur i allmänhet.

UR DANTES DIKTER

En dag dyker Tosca upp:
"Jag tänker vara med dig."
Smärta och ilska verkade följa med henne,
Det fungerade som en ledare.
”Gå iväg!” – frågar jag, men tittar ner
Hon är grekisk - hur vågar jag, säger de -
Och han säger sitt eget, och jag är dum,
Inte konstigt, och plötsligt på långt håll
Amora i en oväntad klänning
Jag ser - i svart från topp till tå -
Och med tårar i en oförfalskad blick.
Jag undrar: "Vilken typ av maskerad?"
Och han svarade: ”Vi är i stor sorg.
Gråt, vår fru är döende, bror."

Målen för lektionen: att introducera eleverna till en speciell poetisk form som blev utbredd och nådde en aldrig tidigare skådad topp under renässansen; att skapa förutsättningar för elevernas egna kreativa arbete att fullborda den ofullbordade sonetten.

Lektionsupplägg.

Ämnet för lektionen är skrivet på tavlan och porträtt av Dante, Michelangelo, Petrarch, Ronsard, Shakespeare placeras, orden "sonnett" och "sonat", komposition och rimscheman av den klassiska sonetten och Shakespeares sonett är skrivna.

En utdelning har utarbetats för varje elev: Shakespeares ofullbordade sonett nr 65 och Petrarchs 13:e sonett.

Låter som ett fragment från Beethovens Pathetique Sonata

Lärare:

– Varför tror du att lektionen om sonetten – en av de poetiska formerna – vi började med Beethovensonaten? Finns det något gemensamt mellan en sonat och en sonett?

- Ja, du har helt rätt, orden "sonnett" och "sonat" är av samma rot och härstammar från det latinska ordet "SONARE", som i översättning betyder "ljud", "ring" I poesi, denna säregna poetiska form av 14 linjer har sitt ursprung på Sicilien på 1200-talet. Som en kanonisk form nådde sonetten sin perfektion under renässansen i Dantes och särskilt Petrarcas verk. Michelangelo skrev också underbara sonetter. Från Italien kom sonetten till Frankrike, där den etablerade sig som en klassisk versform i Ronsards poesi på 1100-talet. Nästan samtidigt skrev Shakespeare sonetter i England.

Nu ska vi höra flera sonetter av de poeter vi har namngett. Låt oss börja med sonetten av Dante Alighieri, som kallas medeltidens siste poet och renässansens första poet. Han tillägnade de flesta av sina sonetter till Beatrice Portinari, som Dante började älska när han var en nioårig pojke och varade hela livet. Det var kärlek på långt håll. Djupt gömd åt hon bara sällsynta slumpmässiga möten, en flyktig blick av sin älskade, sin flyktiga båge. Och efter Beatrices död (hon dog mycket ung 1290) blir kärleken en tragedi.

(Eleven läser Dantes 15:e sonett)

Inte mindre vacker bild av den älskade Laura skapas i hans sonetter av Francesco Petrarch. Tjugotreåriga Petrarch träffade tjugoåriga Laura våren 1327. Hon var gift med en annan man. Tjugoett år efter detta möte sjöng poeten Laura i sina sonetter och kanzoner. Han delade upp dikterna där poeten sjöng om sin passion för Laura i två cykler: den första cykeln "Om Madonna Lauras liv", den andra "Om Madonna Lauras död". I bilden av denna kvinna, för Petrarca, smälte all skönhet, all perfektion, all världens visdom samman. Hon är både kvinnan som poeten osjälviskt älskar, och symbolen för ära som han drömmer om, och det högsta uttrycket för poesin, som han tjänar. I Petrarcas dikter föds en renässansförståelse av kärlek - en kraftfull kraft som kan avslöja individens alla rikedomar, fylla allt liv, ge glädje och plåga. Sådan är det - kärleken till en ny era. Sensuell och andlig, formidabel och barmhärtig, ger ljus och ger lidande, olika för alla, varje gång unik, individuell, men alltid triumferande.

(Eleven läser den 13:e sonetten av Petrarca, sedan får eleverna hans text)

Välsignat är året och dagen och timmen,
Och den tiden, och tiden, och ögonblicket,
Och det vackra landet och den byn,
Var fördes jag full av två söta ögon;
Välsignad är den hemliga spänningen,
När kärlekens röst överföll mig,
Och pilen som genomborrade mitt hjärta
Och detta sår brinnande slarv.
Välsignad vare min envisa röst,
ropar outtröttligt namnet Donna,
Och suckar och sorger och begär;
Välsignade är alla mina skrifter
Till hennes ära, och tanken att orubbligt
Han berättar om henne - om henne ensam!

– Låt oss försöka, baserat på texten i Petrarcas sonett, att bestämma särdragen i kompositionen och rimningen av den klassiska italienska sonetten.

Så sonetten består av 14 rader, uppdelade i 2 quatrains (quatrain) och 2 tercet (tercet). Versen är oftast elvastavig (mindre ofta tiostavig). Kvadrar är byggda på två fyrdubblar av rim, vanligtvis placerade så här: abba / abba. Terceter är oftast byggda på tre par rim med följande schema: vvg / dgd

Dessutom, om a är ett feminint rim, så är b maskulint, c är maskulint, d är feminint, e är maskulint. Om a är man, då vice versa.

Således skapas en oklanderlig och genomtänkt struktur av sonetten. I kvaträn, med inkluderande rim, antingen närmar sig eller divergerar samma rim, vilket ger ett harmoniskt spel av "förväntningar". Intercetes förändras strukturen, vilket skapar mångfald. Enheten av rim i quatrains betonar enheten i temat, som bör placeras i den första quatrainen, utvecklad i den andra, så att i den första terceten ges en "motsägelse" och i den andra "upplösningen", en syntes av en tanke eller bild, krönt med en slutlig formel, den sista raden, sonettens "lås".

Shakespeare modifierade den klassiska sonetten något. Han behöll den interna sonettkompositionen i allmänhet och skrev sonetter från tre kvadärer och kompletterade dem med en kuplett som innehöll huvudidén. Deras rimschema är också annorlunda. Efter att ha skrivit 154 sonetter verkade Shakespeare konkurrera med texternas stora mästare. Han strävade inte så mycket efter att komma ikapp dem, utan för att skilja sig från dem genom nyheten och originaliteten i situationer och bilder. Sonetterna är skrivna under en period av år, uppenbarligen mellan tjugoåtta och trettiofyra åldrarna, heterogena. Många av dem, särskilt de första dedikerade till en vän, bär stämpeln av uppenbar idealisering, medan de senare förvånar med samma kraft av psykologisk sanning som är karakteristisk för Shakespeares bästa dramer. Men med alla de interna skillnaderna mellan de enskilda sonettgrupperna förenas de av den poetiska principens gemensammahet. Efter att ha fått fullständig kontroll över formen på dessa små lyriska dikter, Shakespeare introducerar djärvt bilder och jämförelser från alla livets sfärer, inklusive prosaiskt vardagsliv. Shakespeare intensifierade sonettdiktningens drama och förde, mer än sina föregångare, texterna närmare människors verkliga känslor.

(Förberedda elever läste flera av Shakespeares sonetter: 90, 91, 130.)

- Nåväl, nu när vi har bekantat oss med de grundläggande principerna för att konstruera en sonett, låt oss testa våra kreativa möjligheter - vi kommer att lägga till Shakespeares ofullbordade sonett, skapa ett "slott" av sonetten, de två sista raderna som ska innehålla huvudidén av dikten.

(Barnen får ark med Shakespeares ofullbordade sonett (nr 65) och de jobbar på att färdigställa den)

Om koppar, granit, land och hav
De kommer inte att stå ut när deras tid kommer
Hur kan den överleva, argumentera med döden,
Är din skönhet en hjälplös blomma?
Hur man fortsätter andas scharlakansröda rosor,
När belägringen är svåra tider
Orubblig krossar stenarna
Och förstör bronsstatyerna och kolonnerna?
Åh, bittra reflektion... Var, vad
Hitta en fristad för skönhet?
Hur man stoppar pendeln med handen,
Spara färgen då och då?..

PRESENTATION AV SONNETTENS MOTTAGNA FINAL.

(Nedan presenterar jag de bästa av kupletterna som skrivits i lektionen)

Mindiyarova S.:

1) Varför lever vi om vi måste dö?
När allt kommer omkring kommer döden till oss förr eller senare.
2) Vi kommer alla att lämna, livet kommer också att försvinna ...
Poesin kommer att leva för evigt.

Sedova E.:

1) Så när han satt vid fönstret mötte skaparen gryningen,
När allt kommer omkring för canvas och färger ingen död,
2) Ja, tiden förstör allt,
Men skönhet bor i min vers

Bazhenova A.:

Och bara en vers är mer pålitlig än granit,
Anden från en röd ros kommer att rädda.

Penzina L.:

1) Min sonett kommer att låta om din charm,
Och skönheten hos dina ättlingar kommer att överraska.
2) Åh donna, jag ska berätta om dig i en sonett
Och jag kommer att rädda din skönhet med tiden.

En av egenskaperna hos E. Raevskys poesi är att den ofta förlitar sig på klassikernas prestationer, som de säger nu, står "på jättarnas axlar." Anslutning till traditioner återspeglas inte bara i att följa föregångarnas teman och motiv, utan också i utvecklingen traditionella former, som inkluderar sonetten.
Namnet på denna poetiska form kommer från det italienska ordet sonare, som betonar det speciella med ljudet av versen. När allt kommer omkring betyder detta ord på italienska "att låta". På samma sätt, efter att ha dykt upp i Tyskland, kallades denna poetiska typ Klieggedicht, vilket betyder "ringande verser" i översättning. Båda namnen förmedlar sonettens originalitet, dess musikalitet och klanglighet i dess rim. Samtidigt är en sonett ett verk av särskilt tydlig form, huvudsakligen bestående av fjorton rader, organiserade på ett säreget sätt i strofer. Men denna form har sin egen flexibilitet. Som forskaren skriver, "variationen av rim, rariteten och värdet av alla visuella medel vers, flexibiliteten i dess rytmer, förmågan att lyda olika strofiska typer - allt detta framträder med exceptionell fyllighet i denna mest krävande poetiska form.
Sonetten är känd för att ha sitt ursprung på Sicilien på 1200-talet, då europeisk kultur beredd att gå in i renässansperioden. Dante kände redan sonetten väl och använde den ganska generöst i sin La Vita Nuova. Så, i sonetten "Till själar i kärlek ..." kan du se den första delen, där stor poet sänder sina hälsningar till adelns bärare, ber om svar, och den andra delen, där författaren anger vad han väntar på svar på 43 . I korpusen av dikter från den florentinska perioden finner vi också sonetter riktade till samtida (Guido Cavalcanti, Lippo, etc.) eller förhärligande av hjärtats vackra dam. Här är ett exempel på en Dante-sonnett:

Älskade ögon strålar ljus
Så ädelt att före dem
Objekt blir annorlunda
Och det är omöjligt att beskriva ett sådant föremål.
Jag ser dessa ögon, och som svar
Jag upprepar, darrande, störtad i fasa av dem:
"Från och med nu kommer de inte att träffa mina!",
Men snart glömmer jag mitt löfte;
Och återigen går jag och inspirerar de skyldiga
Mina ögon är självsäkra, där,
Där besegrade, men tyvärr, jag kommer att stänga dem
Av rädsla där det smälter spårlöst
Den önskan som tjänar som deras guide,
Amora bestämmer hur hon ska vara med mig 44 .

Dantes sonetter är ännu inte indelade i separata quatrains och terzets, även om de egentligen består av dem. De flesta av verken av denna form av skaparen av den gudomliga komedin är korrekta sonetter (I, III, VI, VIII, etc.), det finns redan fria och komplicerade (IV, V, XIII), inte föremål för strikta regler . Dantes bästa sonett är den som börjar med raderna: Tanto gentile e tanto onesta pare:

Så ädelt, så blygsamt
Madonna besvarar pilbågen,
Att nära henne är språket tyst, generat,
Och ögat vågar inte resa sig till henne ... 45

Det är ingen slump att Pushkin kommer att säga att "svåra Dante inte föraktade sonetten ...". I Dante innehåller verk av denna form vanligtvis två quatrains (första satsen) och två tercetes (andra satsen). Dikter är skrivna med jambisk pentameter; konstruktionen kännetecknas av det faktum att först i quatrains följer ett gördelrim, sedan i tercetes ges två eller tre rim som binder dem till ett enda komplex, till exempel:

Hon ger en sådan fröjd för hennes ögon,
Att när du träffar henne finner du glädje,
Vilket de okunniga inte kommer att förstå.

Och som om den kommer från hennes mun
Kärleksanda som häller sötma in i hjärtat,
Fast till själen: "suck" - och suck 46 .

Samtidigt väljs klangfulla, klangfulla rim så att de helt motsvarar namnet på denna poetiska form. Dessa är "bär" - "förstår" - "går" - "andas" och "glädje" - "sötma" i exemplet ovan.
Dantes arbete fortsattes av Petrarca, renässansens första humanist, med sitt passionerade intresse för individens problem och antikens kultur. Hans kärlek till Laura, i kombination med samma tillbedjan av berömmelse, strävar han efter att presentera som ideal, och för detta tjänar sonetten honom i största utsträckning. Petrarca gjorde sonetten perfekt både innehållsmässigt och formellt. I sina sonetter hittar Petrarca speciella ord för att förhärliga sin älskade och samtidigt förmedla glöden av sina egna känslor. Laura, enligt Petrarch, överträffar inte bara alla andra kvinnor i sin skönhet, utan överglänser liksom solen de små stjärnorna med sin utstrålning. Mycket exakt essensen av "Sångboken" utsågs av litteraturhistorikern Fr. De Sanctis: ”Dante upphöjde Beatrice till universum, blev hennes samvete och härold; Petrarch koncentrerade hela universum i Laura, skapade sin egen värld från henne och från sig själv. Vid första anblicken är detta ett steg tillbaka, men i verkligheten är det ett steg framåt. Denna värld är mycket mindre, den är bara ett litet fragment av Dantes enorma generalisering, men ett fragment som har förvandlats till något komplett: ett fullfjädrat, konkret, givet i utveckling, analyserat, utforskat till de innersta fördjupningarna” 47 .
Francesco Petrarch förmedlade innehållet och originaliteten i konstruktionen av sin textbok i den första sonetten, som måste citeras här:

I en samling låtar som är sanna mot ungdomlig passion,
Det värkande ekot av suckar har inte dött bort
Sedan första gången gjorde jag ett misstag
Omedveten om din framtida del.

I fåfänga drömmar och fåfänga plågor i makt,
Min röst brister ibland
För vilket jag inte ber om din förlåtelse,
Älskare, men bara om deltagande.
När allt kommer omkring, det faktum att alla skrattade åt mig,
Menade inte att domarna var för strikta:
Jag ser mig själv idag att jag var löjlig.

Och för de förra törsten efter fåfänga välsignelser
Jag avrättar mig själv nu och inser till slut,
Att världsliga glädjeämnen är en kort dröm 48 .

Det följer av denna text att sonetboken är en samling kärlekssånger, att den unga passionens röst då och då kommer att avbrytas i den, och att författaren slutligen kommer att vända sig till läsarna och uppmanar till deltagande. Omfånget av känslor är inställt på följande sätt: "från fåfänga drömmar" till "fängsliga plågor". Resultatet av kärlek, sägs det i den sista delen av sonetten, kommer att bli omvändelse och förståelse för att "världsliga glädjeämnen är en kort dröm".
Ändå avvisar inte poeten sin djupa känsla, inspirerad av Amor, och ångrar det inte. Han kommer att minnas sin födelse, mognad, fördjupning, sin reflektion, splittrade känslor och ouppfyllda förhoppningar, och räknar med att överföra sin sorgliga upplevelse till andra. Laura framstår i dessa texter som en helt verklig, om än något idealiserad, kvinna. Lika levande och verklig är hennes lyriska hjälte, identifierad med en ny humanist som vet hur man analyserar sin kärlek. Den nya förståelsen av kärlek var en hel uppenbarelse som "vinkade till ett nytt socialt ideal", som A. N. Veselovsky noterade 49 .
Varje sonett av Petrarca är något fullbordat, och samtidigt introduceras det i konstutrymme böcker med kärlekssånger och uppfattas som en av helhetens länkar. Nu har även sonettens utseende förändrats. Den består av två quatrains separerade från varandra (förbundna med två klangliga rim) och två oberoende terceter, lödda av tre rim. Alla 365 sonetter av Petrarca är skrivna på det italienska språket. De innehåller ekon av trubadurernas poesi, påverkan av Dantes texter, reminiscenser från romerska poeter (Ovidius), men i grunden är de verkligen originella. Deras konfessionella språk är berikat med personifieringar, subtila allegorier, mytologiska jämförelser, men detta språk saknar alla filosofiska abstraktioner och symboler och är verkligen tillgängligt för läsare. Ibland spelar Petrarch i sin älskades namn (Laura, Cauro, laura), är förtjust i dessa harmonier, såväl som kombinationer av rytmer och rim, vilket ger hans texter lite artisteri, nåd 50, men dessa hobbyer är inte vanliga med poet.
Petrarcas sonetter hade ett mäktigt inflytande på världspoesin. Det är anmärkningsvärt att Boccaccio inkluderade Petrarcas sonett "Välsignad är dagen, månaden, sommaren, timmen ..." i sin dikt "Filostrato", och Poliziano inledde en av sina dikter med denna petrarkianska fras. Stilen Petrarca blev stilen av renässansen. Alla de stora lyriska poeterna i Frankrike, England, Spanien, Portugal och även länderna i den slaviska världen 52 genomgick petrarkismens skola.
En ny sida i sonettens historia är förknippad med namnet Pierre Ronsard. Under de nya historiska förhållandena fortsatte denna franske poet Petrarkas traditioner. I imitation av den italienska textförfattaren skapade Ronsard 1552 en samling sonetter, Kärleksdikter för Cassandra. Den unga flickan Cassandra Salviati, som Ronsard träffade vid hovet i slottet Blois och passionerat blev förälskad, blev för poeten källan till att skapa en poetisk bild, sublim till idealet, liknande Petrarcas Laura. Här är en av dessa sonetter översatt av S. Shervinsky:

Kohl, älskarinna, i dina händer kommer jag att dö,
Jag gläds: jag vill inte ha
Värdig ära än att dö,
Lutar dig mot dig i ögonblicket av en kyss.
Andra rör om sina bröst med Mars,
Låt dem gå ut i krig och önska i framtiden
Skramla med kraft och rustning,
Det spanska stålet i bröstet söker sig själv.

Och jag har inga andra önskemål:
Utan ära att dö, efter att ha levt hundra år,
Och i sysslolöshet - vid dina fötter, Cassandra!
Även om det kan vara mitt fel,
För denna död skulle jag offra
Caesars makt och Alexanders våld 53 .

Det är lätt att se att Ronsard, en djup kännare av antiken, mättar sin sonett med namnen på grekiska och romerska härskare och mytologiska hjältar, som skarpt kontrasterar bedrifterna på slagfältet med sin älskades riddartjänst i en atmosfär av sysslolöshet och frid. . I sin struktur är Ronsards sonett original: den drar samman de båda kvatrainerna till en slags integritet, bygger dem på två rim, men skiljer båda terceterna från varandra, uttrycker dem med olika intilliggande ramsor och förenar den tredje ("Cassandra" - " Alexandra"). Sonetten är skriven i den sublima platonismens anda. Petrarkismens anda känns fortfarande här, men den övervinns i Kärleksdikternas Fortsättning (1555) och Nya Kärleksdikternas Nya Fortsättning (1556), vars sonetter är tillägnade Marie Dupin. kännetecken av dessa verser blir enkelheten och naturligheten i "lågstilen" 54, som valdes för sonetter, eftersom adressaten för dessa verser var en enkel bondkvinna, gladlynt, listig och jordisk. Och kärleken till henne är lika enkel.
Ronsards högsta prestation på sonettens område var den sena cykeln av "Sonnetter till Helena" (1578), som kännetecknas av klassisk klarhet. Adressaten för denna samling, denna "tredje kärlekens bok", var Helena de Surger, Catherine de Medicis unga hederspiga, utmärkande för sin dygd och skönhet. Hon väckte poetens uppmärksamhet och väckte hans senare känsla. Som Z. V. Gukovskaya noterar, var den tredje och sista cykeln av Ronsards lyriska sonetter fläkt av den sorgliga charmen hos en nästan gammal mans kärlek till en ung och stolt flicka. Dessa sonetter "sticker ut för sin lugna och majestätiska enkelhet: det var trots allt under dessa år som Ronsard kom till en viss enhetlig stil i sina dikter, sublima och tydliga:

Inte för låg, inte för pompös stil:
Horace skrev så, och Vergilius skrev så.

Här är ett urval av Ronsards sonetter som presenterades i hans sena cykel, som var den sista stora händelsen i poetiska livet en fransk författare som förenade omkring sig en grupp poeter från Plejaderna och i allmänhet 1500-talets Frankrike:

När redan gammal, med ett ljus, innan värmen
Du kommer att vrida och snurra på kvällstimmen, -
Efter att ha sjungit mina verser, kommer du att säga, förundrad:
Jag blev glorifierad av Ronsard i min ungdom!

Sedan den sista piga i det gamla huset,
Halvsovande, jobbar en lång dag,
Vid mitt namn, driver dåsighet från mina ögon,
Odödlig beröm omger dig inte förgäves.

Jag kommer att vara under jorden och - ett spöke utan ben -
Jag kommer att kunna finna min frid under myrtens skugga.
Nära kolen kommer du att vara en gammal kvinna du böjt

Att ångra att jag älskade, att din vägran var stolt...
Lev, tro mig, fånga varje timme
Livets rosor plockar omedelbart färgen 56 .

Så himla nyfiken historiskt faktum: när Mary Stuart, är inne Tower of London, i väntan på sin avrättning, tröstade hon sig själv genom att sjunga den store Ronsards sonetter. Bästa prestationer Poeten fortsattes av Plejaderna, skapade av honom.
En betydande milstolpe i utvecklingen av sonettformen var Shakespeares verk. Utgiven i början av 1600-talet, 1609, av förläggaren T. Thorp, blev den store dramatikerns sonetter en av höjdpunkterna skapelser engelsk poesi. Alla 154 av Shakespeares sonetter skildrar bilden av en sådan lyrisk hjälte som vet hur man uppskattar hängiven vänskap och upplever en komplex, smärtsam kärlek till en mystisk hjältinna. Lyrisk spänning kombineras i dessa verk med känslornas drama och det filosofiska tankedjupet. De flesta av Shakespeares sonetter är adresserade till en namnlös ung man. En mindre del av dem ägnas åt en kvinna, som i Shakespearestudier tilldelades beteckningen "Dark Lady". Shakespeare-forskare identifierar den unge mannen, poetens vän, med Henry Risley, Earl of Southampton eller William Herbert, Earl of Pembroke. I de sonetter som riktas till en av dessa tilltalade utvecklas teman om tidens förgänglighet, skönhet som livets eviga värde och neoplatonismens filosofi. Samtidigt tror författaren på skönhetens, godhetens och sanningens oupplöslighet. När det gäller "Swarty Lady", efter att ha avslöjat harmoniska relationer med henne, börjar kärlekshat mot kvinnan som tillät otrohet och förräderi gradvis att dominera i dikterna. Världspoesi före Shakespeare kände inte till avslöjandet av sådana omständigheter och känslor i sonettform. Men när man analyserar Shakespeares sonetter är det minst av allt att söka efter biografiska och nästan litterära fakta, vilket korrekt noterades av V. S. Florova 57 . Således består Shakespeares karaktäriserade verk av två delar: sonetter 1-126 utgör en cykel riktad till en vän; sonetter 127-154 bildar en cykel tillägnad den svarta damen. Men eftersom hjälten och hjältinnan är nära besläktade, ingå kärlekstriangel med författaren representerar alla 154 sonetter en holistisk enhet.
På tal om konstruktionen av Shakespeares sonetter bör det noteras att deras författare ibland återgav strukturen hos den italienska sonetten, men oftare tillgrep sin egen komposition, kallad "dramatisk". Den tredje kvaden var hans kulmen i utvecklingen av temat, följt av den sista kupletten - upplösningen, ofta oväntat. Detta kan ses genom att läsa sonetter 30, 34 och 66 58. En sådan struktur var mest lämpad för dramatikern-poeten för hans lyriska bekännelse, hjärtats liv, för det ilskna fördömandet av svek, hyckleri, grymhet, karaktäristiskt för det dåvarande samhället. Sådan är till exempel sonett 66, som talar om verklighetens sår och ekar Hamlets monologer.
Det perfekta i Shakespeares sonett manifesteras i dess kortfattadhet, i dess eftertänksamma rimning enligt schemat: ABAB, CBSS, EFEF, GG. Temats dramatiska utveckling förmedlas med hjälp av motsättningar, antiteser, kontraster, motivkrockar. Den sista distichen förmedlar vanligtvis aforistiskt en betydande, som regel, filosofisk tanke.
Språket i Shakespeares sonetter är baserat på växlingen av assonanser och alliterationer. Deras ordförråd innehåller sådana lager som kan fånga verklighetens motsägelser. Det finns högbokade ord och uttryck från livets vardagliga sfär, och till och med oförskämda "hemgjorda" ordspråk som är nödvändiga för att uttrycka ilska. Så i den berömda 130:e sonetten vägrar Shakespeare inte bara euphuistiska (uppfostrade, sofistikerade) jämförelser, utan tar också till sådana "oanständiga" ord som Engelska verb stinka. Varken översättningarna av N. Gerbel, O. Rumer, A. Finkel eller den klassiska översättningen av S. Marshak förmedlar karaktären hos denna sonett, som målar ett porträtt av "min fru". Det är därför R. Kushnerovich kallar denna sonett av Shakespeare fortfarande oöversatt 59 .
Det som skapades av Shakespeares geni blev egendom för efterföljande poesi. Sonettförfattare hänvisade ofta till dess dramatiska form. Det är sant att Edmund Spenser (1552-1599), en samtida med tragedianen, uppfann för sina sonetter ett mycket komplext system av rim och "Spencer-strofen". Men de slog inte rot i poeternas verk av nya generationer, och Shakespeare själv använde inte dessa visdomar utan att behöva dem.
Sonettens konst utvecklades också i Tyskland. Visserligen använde Schiller inte denna konstform, men Schlegel, Werner, Zacharius och Goethe vände sig till den.
Goethes sonetter är de mest betydelsefulla. Poeten skapar dem i den sena perioden av sitt liv, från 1807. Valet av denna form är kopplat till passionen för Petrarkas poesi. Goethes sonetter är självbiografiska till sin natur. Det är ingen slump att hjältinnan i IV-sonetten, med hänvisning till den lyriska hjälten, uttrycker sin förebråelse med följande ord:

Du är så hård, min älskade! Med en staty
Du är som en isig hållning med din...

Dessa sonetter är främst tillägnade Minna Herzlieb, en artonårig flicka, för vilken den redan medelålders poeten hade en kärlekskänsla. För författaren är hans kärlekssmak "så skönt att kasta ut en annan i en låt." Goethes sonetter blev sådana sånger i detta skede.
Dessa verk har uttalade egenskaper. Först och främst är en stor cykel av sjutton sonetter baserad på en enda intrig. Mot en typiskt romantisk bakgrund av höga klippor och brusande bäckar möter han en ung flicka som han en gång kände som barn. Bekännelser och kramar ersätts av separation, klagomål från den älskade, nya möten, svalkande. Ett annat drag hos denna form hos Goethe är deras inre och yttre dramatisering. Internt - härrör från kollision av sensuell attraktion och fjädrande återhållsamhet, löst beteende och ett varningsförbud. Extern dramatisering förmedlas genom en dialog mellan skeptiker och älskare (sonett XIV), en flicka och en poet (sonett XV). Ett annat särdrag i Goethes sonetter är kombinationen av ett lyriskt uttryck av känslor med en brevform: enskilda fragment av cykeln är brev från en flicka till sin älskare. Dessa är sonetter VIII, IX och X. Slutligen, i sina verk av denna cykel, lyckades poeten föra samman och samtidigt motsätta sig två poetiska epoker: Petrarkas tid (det är hans sonettform som han ärver) och hans egen tid, som poeten räknar "från ett tusen åttahundrasjunde år" (sonetten XVI). Därför växer Goethes sonetter avsevärt ur gränserna för det lyriska "jag" och inkluderar andras erfarenheter och epokens tecken. Som forskaren konstaterar, "konfrontationen mellan närhet och avskildhet, förtrogenhet utan nyhet passar väl in i den stela formen av en sonett. Formen förstärker uppriktig sensualitet, förvandlar samtidigt verkligheten till en romantisk episod ‹…›. Sonetter är länken mellan poetens förflutna och nutid” 60 . Sonetterna visade sig vara så rymliga och viktiga för Goethe att de i viss mån förberedde hans "Själarnas affinitet", "Mignon" och enskilda scener av "Faust".
En tid på 1700-talet var sonetten bortglömd: detta århundrades ideologiska strider hade inte tid för sin odling. Men den romantiska rörelsen återvände till denna form igen. Den franske poeten Augustin de Sainte-Beuve sammanfattade allt som gjorts av sonettförfattare under loppet av flera århundraden. Han skrev:

Häda inte sonetten, håna Zoil!
Han fängslade en gång den store Shakespeare,
Han tjänade Petrarca som en sorgsen lyra,
Och Tass, bunden, lättade deras själar.

Camões förkortade sin exil,
Sjunger i sonetter kraften hos en kärleksidol,
För Dante lät han mer högtidlig än prästerskapet,
Och han täckte poetens panna med myrten.

Im Spencer klädde magiska visioner
Och i långsamma strofer uttömde han sin slaktighet,
Milton i dem återupplivade elden som hade dött ut i hjärtat.
Tja, jag vill återuppliva deras oväntade system med oss.
Du Bellay tog dem till oss först från Toscana,
Och hur många av dem sjöng vår bortglömda Ronsard.

Det är anmärkningsvärt att det var denna sonett av Sainte-Beuve som A. S. Pushkin vägleddes av när han skapade sitt berömda mästerverk "Sverre Dante föraktade inte sonetten ...". Pushkin tog naturligtvis hänsyn till prestationerna i utvecklingen av denna form, inte bara av europeiska författare, utan också av inhemska: han ägnade helt den sista tercetten åt Delvig, författaren till sex magnifika sonetter. På tal om denna poetiska form, anmärker Pushkin:

Våra jungfrur kände honom ännu inte,
Hur glömde Delvig åt honom
Heliga hexameterlåtar.

Pushkin själv var en anhängare av sonetter i mindre utsträckning än sin vän som dog tidigt. Han äger bara tre verk av denna form: "Sonett", "Till poeten" och "Madonna", men de innehåller det rikaste innehållet och kännetecknas av sin ovanliga harmoni och klang av strofiska rytmer. Samtidigt tog Pushkin inte alltför mycket hänsyn till den kanon som uppstod kring denna poetiska form. Visserligen iakttar han den yttre teckningen av sonetten, bygger den från 14 verser, delar upp den i två quatrains och två tercetes i andan av Petrarch och särskilt Wordsworth, vars ord blev epigrafen av sonetten och till vilken hela den andra quatrainen är tillägnad:

Och idag fängslar han poeten:
Wordsworth valde honom som instrument,
När du är borta från det fåfänga ljuset
Naturen han ritar ett ideal.

Men Pushkin accepterar inte vissa andra regler för sonettpoetisk praktik. Han förkastar på ett innovativt sätt inringande ramsor i de två första kvatränerna och använder korsrim, som i den andra terceten ovan. Pushkin svarar inte på kravet att använda rika eller varierande rim i sonetten: hans "Svere Dante ..." är baserad på fem verbala rim ("uthällt" - "klädd" - "utvald" - "avslutad" - " glömt"), kompletterat med substantivet "ideal". Samtidigt användes rimna av quatrains i tercetes, vilket ansågs oönskat.
I sonetten "Till poeten" blandar Pushkin korsrimningen av den första kvatänen med den omslutande i den andra, även om han behåller rimmets enhet här. I sonetten "Madonna" återvänder han till en sådan blandning och enhetlighet av rim och inför själv en överföring (enjambement) som är förbjuden för en sonett från den andra kvaden till den första terceten. Som sonettens teoretiker skriver, "formens svårighetsgrad accepterar inte sådana vanliga kombinationer som "kärlekens hetta", " fåfängt ljus"," entusiastisk beröm. Tillåtet att fråga i denna form, väsentlig funktion vilket är oklanderligt, så tydligt "fyllande" rader som: Vi har ännu inte känt jungfrurna ‹...› Allt detta, helt acceptabelt i en vanlig dikt, är outhärdligt i en sonett, som resolut tar bort alla poetiska friheter från sig själv, medvetet ökar och komplicerande svårigheter » 61 . Dessutom tillåter Pushkin ofta i sonetten den förbjudna tekniken att upprepa ord, som finns både i Madonna och i sonetten Till poeten.
Det bör dock sägas att Pushkin, som var utmärkt i versteorin och versifieringspraktiken, dessa friheter är inte på något sätt en manifestation av slarv, utan en medveten innovation, ett uttryck för Pusjkins ständiga innovation. För en stor poet är frihet viktig, inklusive för att förmedla innehållet som är betydelsefullt för honom, som finns i dessa tre sonetter, som bekräftar Skaparens oberoende från lovprisning och dårarnas dom och från skrattet från en kall folkmassa. , och från reglerna som begränsar honom:

Du är kungen: lev ensam. På de frias väg
Gå dit ditt fria sinne tar dig
Förbättra frukterna av dina favorittankar...

Det kan hävdas att Pushkins innovationer i hans sonetter också är deras frigörelse och förbättring. När allt kommer omkring är det viktigt för poeten i Madonna att betona att han bara drömde om en bild, och därför upprepar han detta ord. Det är viktigt för honom att lyfta fram och förhärliga sin Madonnas renhet, och han upprepar detta ord i superlativ:

Den renaste skönheten, det renaste exemplet.

Denna upprepning är nödvändig. Dess användning är en manifestation av Pushkins "fria sinne" och hans egen "högsta domstol" 62 .
Parallellt med Pushkin gav den polske poeten Adam Mickiewicz ("Krimsonetter") lysande prover av sonetten.
Efter Delvig och Pushkin vände sig sådana ryska poeter som P. Katenin, E. Baratynsky, N. Shcherbina, A. Fet, M. Lermontov, V. Benediktov, Ya. Polonsky, K. Pavlova, A. Grigoriev till sonettformen, P. Buturlin, V. Bryusov, Vyach. Ivanov, M. Kuzmin, N. Gumilyov, M. Voloshin, I. Annensky, O. Mandelstam, Yu Verkhovsky.
I sovjetisk tid sonettformen odlades av L. Vysheslavsky. Hans verk från 1960-talet, som "The Sonnet of Wine" och "The Sonnet of the Garden Knife", återger strukturen som utvecklats av Petrarch: två quatrains ersätts av två tercets, även om den rimkaraktäristiska egenskapen hos den kanon han etablerade inte är upprätthållen: först ges ett korsrim, och sedan - i tercetes - intill. En speciell cykel i L. Vysheslavskys texter var "Stjärnsonetter", som omfattar 22 verk. Samma struktur används här som i de redan namngivna dikterna. Hooked på rymdtema, poeten varierar det i många aspekter i "Sonnet of My Star", "Chief Designer", "Sonnet of Sleep", "One Hundred and Eight Minutes" (till minne av Yu. A. Gagarin), "Sonett of the Path" ”, etc., och ägnar mindre uppmärksamhet åt versifieringsregler, klang och fullständighet hos rim och rims legitimitet. Endast i sonetterna "Soldat" och "Obelisken på fältet" använde han omslutande rim i kvaträn, men rimnas noggrannhet och fyllighet ("obelisk" - "omfamnad") lämnar mycket övrigt att önska. Både teman och konstruktionen av L. Vysheslavskys sonetter visar sig vara ganska monotona, ägnas åt ett enda stjärntema 63 .
En genomgång av sonettkonstens utveckling leder oss naturligtvis till Evgeny Raevskys verk. Vår poet ägnar den största uppmärksamheten åt denna poetiska form. Från samling till samling förbättrar han sin förmåga att bygga en sonett och underordna dess form det avsedda innehållet.
Vi minns att redan hans första samling proklamerade "Makt till sonetter." Hans allra första verk av denna form ("Om mig själv och om sonetten") ägnades åt att förstå hans engagemang för sonetten; det lockar ständigt läsare att lyssna på radernas aforism:

Den som talar har ingen rätt att tiga;
Lyssna på min sonett.

Det är anmärkningsvärt att poeten nämner en speciell "magi av fjorton rader". Denna magi fascinerar till och med Evgeny Raevsky själv.
De efterföljande sonetterna i den första samlingen antar strukturen som var karakteristisk för Shakespeares reformerande konst: sonetterna inkluderar tre kvaträn och en sista kuplett. Poeten följer detta schema i framtiden. Det gör det möjligt för E. Raevsky att grundligt utveckla sitt tema i tre quatrains, för att sedan fullborda sonetten med en tydlig och rymlig kuplett i sin aforism. Så, sonetten "On the outraged faith" kröns med en bitande maxim:

Bara elakheter rika dårar
De bränner templen där deras fäder bad.

Och sonetten "På ålderdom" avslutas med en klok slutsats av det som har sagts:

Först då kommer vi att hedra henne,
När vi uppskattar briljansen i våra gråa hårstrån.

Vanligtvis är sådana slutsatser i Raevsky inte något oväntat, vilket observeras i praktiken hos många sonnettister. Tvärtom, dessa maximer följer naturligtvis av innehållet i sonettens huvuddel. Således slutar sonetten "Om fylleriets nådlöshet" mycket naturligt med denna reflektion, fylld av tvivel och baserad på en hypotes:

Vin sjöng frestande Khayyam,
Men han drack nog för mycket själv.

Och att tänka på intensiteten i det poetiska arbetet, på den höga grad av lidande som en sann konstnär upplever, slutar med en bekännelse:

Men här letade jag efter ett utkast -
Om igen, led inte, trängde inte in.

När det gäller konstruktionen av de tre huvudkvaderna upprätthåller Raevsky ofta det välkända kravet att bygga dem på omslutande ramsor. Så här organiseras sonetterna "Till poeten", "Om fylleriets skoningslöshet", "Om en persons tro på sin egen styrka", "Om svartsjuka", "Om blind kärlek" och andra. Poeten är också trogen ett annat krav: han använder ringande, fyllda, inneboende i sonettramsor: "kniv" - "liknande", "hund" - "kamp", "i en brådska" - "i kedjor" ("Om den regerande slaven"), "fel" - "ostadig", "passioner" - "delar" ("Om blind kärlek").
En av egenskaperna hos Rayevskys sonetter är deras förutbestämda tonalitet. Till exempel möter vi i den första kollektionen "Vintersonetten". Efter att ha fått en sådan definition i titeln strävar detta verk efter att motstå molltonen och programmerad kyla till slutet. Motiv av kyla, kyla och mörker går igenom hela dikten. De låter i första raden ("Varför mitt i kyla och mörker ...") och de två sista: "Kylan hånar, mörkret stänker ... Vintern ska betala mig fullt ut." Men de centrala verserna talar också om sådana fenomen som oundvikligen stämmer in på en molltonart: misstag, oundvikliga bekymmer, skam, trötthet, vardagliga fraser, tvivel, ett sorgligt resultat, uppriktigt samtal, förebråelser, förlust av ömhet, stridigheter. Allt detta överensstämmer med vinterkyla och det medföljande mörkret. Så innehållet motiverar beteckningen som ges i sonettens titel.
"Sonettförvirring" är namnet på en av miniatyrerna i den andra samlingen. Och här motiveras diktens ovanliga titel av dess ton. Allt dystert som författaren vill berätta om, som utgjorde innehållet i hans upplevelser (tråkighet, trötthet, sorg, ångest, sångers impotens, ogillar, lidande, sorg, en känsla av impotens, smicker) - allt detta utgör en sådan rad känslor som uppenbarligen inte motsvarar poetens stora humör, som förmedlas i samlingen om en ljus början i liv. Därav den förvirring som blir oundviklig för författaren och som bärs in i sonettens titel.
En annan sonett, som ingår i den andra samlingen, heter "Peaceful". I vilken utsträckning är denna definition motiverad? Det är som att prata om krig. Ordförrådet för detta verk består av taggiga ord, som bajonetter: "genomborrad", "jag skriker", "krig", "bajonetter", "mardröm", "brutal", "freak", "fientlig", "vårdslöshet". ", "våld" , "fången". Det verkar som att diktens innehåll klart motsäger titeln. Men tonen i dikten är ingalunda munter, dess patos är ingalunda militant. Även om det är högt, skriker det om krigets otillåtlighet, om dess otillåtlighet. I motsats till de "taggiga" orden introducerar poeten omärkligt "mjuka", "tysta", fridfulla, och de låter påträngande på sitt eget sätt: "sorg", "fred", "vila", "säng", " Jag ångrar”, ”jag lever”, ”familj”, ”sunt förnuft”, Gud, ”levande namn”, ”kyrkor”. Den fredliga början råder, och poeten tänker "fånga kriget" i det kommande fosterlandets namn. Detta motiverar definitionen bredvid ordet "sonnett" - "Fredlig sonett".
"Ljussonnett" är namnet på en av dikterna som ingår i samlingen "Min kärlek är ett magiskt barn". Titeln här stöds av en mängd olika motiv och olika bildspråk. Det börjar med ordet "ljus" och slutar med bilden av "kärlekens ljus". Ljuset från dessa ljus vibrerar i varje fragment av texten, i var och en av de tre quatrains och i den sista kupletten. Ljus "dansar", poesi ackompanjeras också av ljus, hjältinnan är "lätt-tunga", och hjälten försöker hålla tillbaka sitt ljus, även om han tränger in i sin väns danskonst och lyser upp den och blir "ett löfte om pris". Hur kan du inte kalla sonetten "ljus"? Den mest lämpliga definitionen.
En annan sonett i denna bok heter "Rowan ...". Och återigen, inte slumpmässigt. Bilden av bergaska är central i dikten. Buntar det - som "glada harmonier" av melodier. Den älskades rubinläppar jämförs med harmonin av bergaska. I vilken utsträckning är titeln på en annan dikt motiverad - "Ren sonett"? När allt kommer omkring talar det inte alls om det platonska förhållandet mellan en man och en kvinna ... Här "drömmar och händer sensuellt stängda." Men vem sa att föreningen av älskande inte kan vara ren? Och i E. Raevskys verk är det renhet som framträder inför läsaren. Inte bara för att ren vit snö ackompanjerar kärlekens musik utanför fönstret. Och inte bara för att, som sonetten säger, "hemligheten med ren musik" känns. Men också för att själva känslan hos dem som älskar förmedlas som ren, utan elakhet, taktlöshet, otillåtlighet. Tröttheten har försvunnit, fredens charm har satt in, sonettens karaktärer är fjättrade av en tillgiven dröm, tystnaden är omslutande, en mild och tyst "romantisk snöscherzo" och andra ljud som viskar gåtor. Till sist överskuggar allt som avbildas och uttrycks i sonetten av godhet. Det är därför själva sonetten heter exakt och klokt - "ren".
"Lärande sonett" är också döpt efter sitt eget namn inte av en slump. Ur formsynpunkt är inte allt perfekt i den. Om den första quatrainen är fjättrad av omslutande rim, är den andra och tredje quatrainen byggd på korsrim, och "skönhet" - "höjd" kan inte kallas ett par nya konsonanser. Men för poeten blir uttrycket av ett antal tankar han burit om otillåtligheten av en av älskarnas slaviska underkastelse, om förnedring av skönhet som knäböjer på dess knän, om otillåtligheten av lögner och ouppriktighet i mänskliga relationer. och det viktigaste här. Och alla dessa tankar här tar formen av maximer, didaktiska instruktioner från en person som har känt livet, kloka uppbyggelser. Det är deras materiella form som är väsentlig här, och på intet sätt förbenad kanonisk. Det är därför sonetten inte på något sätt fick en vinnande, utan motiverad definition.
Det kan verka olämpligt att tilltala Sergei Yesenin i form av en sonett. Författaren till "Anna Snegina" och "Brev till en kvinna" komponerade inga sonetter. Dessutom tycks han, helt fri och ohämmad, vara främmande för sonettens sammandragande regelbundenhet. Raevsky minns själv hur "jordens sångare" "huliganiserade och lekte", drack vin och "skandaliserade med den osynlige Guden". Men Yesenin är vår författares favoritpoet. I en intervju talade Raevsky med beundran att "Yesenin var en utbildad, avancerad person av sin tid. Då var förmodligen fem klasser i församlingsskolan lika med tio klasser. modern skola. Han var mycket nyfiken, som en svamp, absorberade alla innovationer av rysk versifiering, var medveten om ryskt och utländskt litterärt liv. Han förbättrades hela tiden." Av denna anledning är Yesenin inte på något sätt kontraindicerat i form av hög europeisk och rysk kultur. Dessutom skrev poeten om kärlek, och detta tema ber ofta om att förkroppsligas i sonettformen avsedd för detta, som Yevgeny Raevsky tog hänsyn till. Yesenin, tillsammans med Pushkin, är en långvarig idol av vår författare. "Till en dröms sång / jag blev full med dig till pojkighet," erkänner Raevsky i sin sonett riktad till Yesenin. Det är ingen slump att han deltog i Yesenins poesitävling och är stolt över poetens medalj. Därför är sonetten till minne av den store poeten internt motiverad. Dess författare finner hjärtliga ord för att uttrycka sin kärlek till sin föregångare:

... du är jordens sångare och evig här, som ett kors,
Som ett tempel, som allt heligt och kärt.

Ett annat drag i Rayevskys sonetter är deras övervägande hängivenhet till temat kärlek. I detta är han en efterföljare av de stora föregångarna - Dante, Petrarch, Ronsard, Goethe, Pushkin. Som Sergei Novikov noterar, "liksom Petrarkas sonetter, oförgängliga i sin poetiska storhet, riktar sig Jevgenij Raevskijs sonetter till kvinnan han älskar. Dess bild återspeglas alltid i poetens själ, men vi, läsare, kan inte konkretisera denna bild i våra sinnen, och vi uppfattar den som en reflektion avlägsna stjärnor nå poetens poetiska värld...” 65 .
Därför är motivet stjärnor kopplat till himlen och rymden, där den lyriska hjälten i Raevskys dikter ofta svävar, vilket ofta låter i poetens dikter. Lyrisk hjälte avser att flyga "till de fantastiska stjärnorna." Om i Lermontovs dikter "en stjärna talar till en stjärna", utan att ta kontakt med en ensam person, etablerar vår författare andra, speciella relationer med stjärnorna: "Jag är lyckligt vänlig med varje stjärna" ("Du lyssnar på drömmarna om mina tystnader ...”). "Jag trodde på varje morgonstjärna", minns poeten i The Blues Sonnet. Han märker hur "stjärnan rör vid fönstret" av sin älskade ("Dröm"). Poeten är benägen att likna människors liv med armaturernas liv: "Och vi kommer att förbli, som stjärnor, oförgängliga" ("Ljusets röst"). Den uppmärksammade figurativiteten ger Rayevskys sonetter en sublimitet av ljud.
Vänner och likasinnade poeter, som uppskattar Yevgeny Raevskys arbete, dröjer alltid kvar vid hans sonetter. Alexander Ozhegov menar att det inte var av en slump som poeten "valt en tydlig kanoniserad sonett, som uppstod för sju och ett halvt sekel sedan och har kommit ner till vår tid av nöd" som form för sitt verk.
Ozhegov förklarar inte varför denna vädjan till sonetten inte var oavsiktlig. Jag tror att detta beror på att den ljusa emotionaliteten i Raevskys dikter paradoxalt nog kombineras med nykter rationalitet, rationalitet. Poeten själv känner denna syntes, denna amplitud av fluktuationer "från kärlek till medvetandets kokande" ("Höstglädje"). Ibland introduceras denna konjugation av honom för att ge verser om upplevelser av filosofiska känslor. "Reasonable is the simplicity of evening fantasy", läser vi till exempel i Videosonnet. Det är därför som sonettens strikta, rationellt meningsfulla, tydliga form visade sig ligga nära E. Raevsky som poet.
Yevgeny Ilyin anser med rätta att Rayevskys sonetter är innovativa, eftersom de är befriade och syntetiserar olika intonationer, stilar, epoker 67 . Detta är en korrekt observation. Till exempel, i den civilt klingande sonetten "Var du än ser!...", som ingår i samlingen "Tack", bredvid de mycket specifika fenomen som fångats av poeten ("de fattigas rop", "maktens skamlöshet", "krigsframgång", "våldssynd") abstrakta kategorier samexisterar ("sanningens självklarhet", "det okändes absoluta", "olyckans öde"). Lika polära är slutsatserna i den sista kupletten:

Att komma bort från tanken till delirium är en avgrund i mörkret.
Mitt land! Är du i tankarna?

Om den första versen är filosofisk och abstrakt till sin natur, så är den andra uppriktigt journalistisk. Denna sammandragning av motsatta fenomen är originaliteten hos ett antal av E. Raevskys sonetter.
Den lexikala rikedomen i vår författares sonetter är utom tvivel. Sergej Skachenkov finner i den obelånade ord fulla av friskhet och renhet, och till stöd för denna dom citerar han "Sonnet-Awakening" 68 .
Evgeny Raevsky behärskar djärvt olika varianter av sonettform. "Rainbow Duet" är en förkortad sonett: den innehåller två quatrains med parade rim och en sista kuplett. Samma schema i "Flight". Kristallträdgården ökar antalet quatrains från tre till fyra och ändrar samtidigt den traditionella jambiska pentametern till en fyrafots troké. Samma långsträckta sonett presenteras i "Key of the Wind ...". Den så kallade "Långa sonetten" består av sex kvader och en kuplett.
Raevsky vågade också skapa en krans av sonetter som krävde mer uppfinningsrikedom och skicklighet från författaren: det här är "Halsbandet med fria erotiska sonetter", som vi hittar i samlingen "Tack". Här "klamrar sig fast" den första raden i nästa sonnett till den liknande sista raden i den föregående sonetten. Sålunda förenas verken av ett besläktat rim. Ibland växlar Raevsky quatrains och tercetes med en orealiserad linje. Det är därför man måste hålla med D. Kirshin, som skriver: ”Indeed, Evgeny Raevsky är sonettens mästare. Jag tror att vi här kan säga om författarens "medfödda" förståelse av denna komplexa form, dess tekniska, rytmiska, sensuella lagar - Jevgenij Raevskijs sonetter är så originella och mångfaldiga. Man kan hitta sociala och till och med medborgerliga teman i dem ("En slav som fick makt genom slavars dumhet ..."), men ändå är de flesta sonetter tillägnade kärleken" 69 .
E. Raevsky själv, som inser att sonetter inte är på modet idag på grund av deras alltför strikta form och högt innehåll, uppskattar ändå mycket denna typ av strofisk konstruktion. "Jag provade mig själv i olika rytmer och storlekar", sa poeten i en intervju. – Och plötsligt insåg jag att 14 rader av en sonett är perfekt. Allt kan sägas i dem. Och denna form har sin egen mystik. Sonetten dikterar sina egna villkor - enkelhet, koncisthet" 70 .
Utmärkt av dessa egenskaper noterade av författaren, hjälper Rayevskys sonetter honom att disciplinera sina tankar, introducera rymligt innehåll i 14 rader och komplettera det med ett aforistiskt slut på två rader. I detta avseende odlar han strukturen inte av Petrarchs, utan Shakespeares sonett, som alltid, som vi minns, slutade i två chockverser. Men Rayevsky kopierar aldrig skaparen av Hamlet och de berömda sonetterna, dess innehåll skiljer sig markant från vad Shakespeare lade in, med hänvisning till vännen och den svarta damen. Raevsky har sitt eget språk, sitt eget tankesystem och sina adressater, han har sin egen spänst lyrisk handling och dess egen, utmärkta koncisthet. S. Makarov har rätt när han påpekade att "Evgeny Raevsky, en självklar anhängare av både den klassiska och fria sonetten, glömmer aldrig att korthet är talangens syster" 71 .
Sådan är magin i Rayevskys sonett, som aldrig lämnar poeten och håller honom i sin välgörande fångenskap.